～「琳-III 玉響 TAMAYURA 若林千春作品展2026×久末航ピアノリサイタル」を聴いて～
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作曲家・若林千春先生の個展のお誘いを頂き、昨日拝聴しました。夜の外出を控えている身ではありますが、先生直々のお誘いとあっては、何としても伺わなければ。
若林千春先生は、現代音楽の前衛を歩んでこられた作曲家のお一人。1996年には第65回日本音楽コンクール作曲部門（オーケストラ作品）第1位・安田賞を受賞していらっしゃいます。
一方、合唱の世界にも深い関わりがあります。東京混声合唱団などとの協働に加え、Wikipediaには載っていませんが、早稲田大学混声合唱団とも深いご縁をお持ちです。2010年の東西四連合同《天使のいる構図》（指揮：伊東恵司）ではピアノを担当されるなど、慶應ワグネルとも接点があります。
https://ja.wikipedia.org/wiki/若林千春
このたびの個展は、「玉響 TAMAYURA」全曲の出版記念演奏会でもあり、「玉響…momentariness」のピアノ独奏用全30曲が演奏されました。
プログラムを読み、プレトークを聴き、演奏を聴きながら私が感じたのは、「これはピアノ曲ではなく歌曲なのではないか」ということでした。
プログラムには、作者名のない俳句が6句。若林千春先生の署名入りの散文詩。曲へのコメント、解説。
散文詩の一節を引用します（引用部分は私が勝手に順番を変えています。お許しを）。
—
きいているけどきこえない
きいていないけどきこえている
あるけれどそこにはないこと
ないけれどそこにはあること
複数の矛盾する方向性をつらぬくのは〝うつ〟の概念だった
それは
其処に
何も無い
ような
「すべてのもの」
—
コメントにはこのような言葉もありました。
—
短歌・和歌を「音楽で…」というコンセプトによる音楽である。
多種多様で一筋縄では扱えないそれら構造性を、何とか音楽化したいと願った。
—
解説の結び。
—
象徴としての音の記号……音によるアフォリズム・短詩・俳句……〝たまゆら〟
—
これらには濃密な文学があります。
それを音楽で表現しようとする行為。
声はありません。
しかし、声がないのに、歌がある。
詩の言葉を歌えば、聴き手はその言葉に導かれます。言葉の意味が限定する世界があります。もちろん、その解釈はさまざまでしょう。
しかし、ここには歌われる言葉がありません。
それなのに、確かに言葉の気配がある。〝うつ〟というイメージがある。情景がある。人間の感情がある。
言葉がないからこそ、言葉は無限に広がっていきます。
声を聴いているのではない。それでも、歌を聴いている。
そのために、どう歌うかではなく、どう歌わないかがある。
これは『声の無い歌曲』ではありませんか。
1曲目は、たった1つの音から始まりました。
音が1つしか「なく」、鳴らされていない87鍵の音が「ある」。
一音が置かれることによって、そこに無数の鳴らされていない音の存在を感じる。次の音が加われば、その関係がまた変わっていく。
前衛書道を思い浮かべました。
最初はただの紙です。
一筆入れると、そこには余白が生まれます。
余白は、限られたスペースの中で、無限に意味を生みます。
どう描こうが自由。
文字に縛られる必要すらありません。
しかし自由だからこそ、そこにもう一筆加えるか、加えずに余白にするか、どちらも表現を選択する勇気が必要になります。
音楽も同じではないでしょうか。
次の音を鳴らすことも、鳴らさないことも、作曲家の決断です。
そして、その決断によって、生まれた音を、どう響かせるか。
生まれなかった音を、どう響かせないか。
それが演奏家の仕事になります。
少ない音と、密集した多数の音。
繊細な音と、暴力的な音。
しかし、繊細な音が必ずしも小さく、暴力的な音が必ずしも大きいわけではありません。
微かな音の中にも鋭さがあり、大音量の中にも優しさがある。
久末航さんのピアノは、その両極を、そして両極の間にある無数の表情を、驚異的な音色と強弱の幅で表現していきます。
ほとんど聴こえないほどの音から、ホール全体を震わせるような響きまで。
打鍵は明晰でありながら、音の表情は自在に変わる。
単に音量の幅が広いのではありません。小さな音も、大きな音も、それぞれ異なる性格を持っている。
わずか10秒ほど、たぶん5、6音しかない新作もありました。
その2曲は既存の2曲を挟む前奏曲と後奏曲として、今回世界初演されたものです。
たった数音の曲が、前後の音楽の意味を変えていく。
かと思えば、長く鳴り続ける曲がある。
簡潔でストイックかと思えば、滑稽な遊びも大声で小走りする。
30曲は作曲順ではありません。若林千春先生ご自身が、艱難辛苦して曲順を決められたそうです。
確かに、一連の音楽として聴こえました。
ところが、プレトークで若林千春先生はおっしゃっていました。
「どう解釈するかは自由」
「曲順をどうするかも自由」
「一部を切り取って、コンサートの間奏曲にしていただくのも自由」
ご自身は曲順を決めるのに艱難辛苦したのに、他の人は好きにしてよいというのです。
自由だからといって、どう並べても同じではない。しかし、唯一の正解があるわけでもない。
音楽をどのように構成し、どのように聴かせるか。そこにも選択があります。
自由は勇気を伴います。
私は想像しました。
歌曲のリサイタルのワンシーン。
声楽家はピアノの前に立っています。
「玉響」が演奏されます。
歌わない。
いつまでも歌わない。
それでも、歌が聴こえてくるのではないでしょうか。
声楽家はいる。しかし、声はない。
声がないのに、歌がある。
それなら、歌とは何なのでしょう。
ウンベルト・エーコの『開かれた作品』ではありませんか。
いや、『解釈の限界』を超えてしまっていますか？
文学と曲により新たに広がる世界。
過去に和歌を歌う曲で、「次の言葉を出すのはまだ待ってくれ」と思う作品がありました。
そのとき私が求めていたのは、単なる休符や沈黙ではありません。歌われた言葉が聴き手の中で広がっていくための時間でした。
今回は、そもそも歌われる言葉がありません。
だから、歌がありました。
リサイタルは終わりました。
もう歌はありません。
でも私の中には、受け取った歌と、余白があります。
またこのようなリサイタルを聴きたいと思います。
＜あとがき＞
会場には井上道義先生のお姿もありました。若林千春先生は2018年、第1回是阿観井上道義作曲家コンクールで最優秀賞を受賞されています。なるほど。
過去にいろいろ書いてしまっているので、私が現代音楽を嫌っているのではないかと思っている方もいらっしゃるかもしれません。
違います。
ポロックが好きなのは以前にも書いた通り。
中学3年生のとき、音楽の卒業課題としてミュージック・コンクレートを制作しました。姉の英会話練習用の、オーバーダビング機能がついたラジカセを借りました。
浪人中まで習っていた書道は奎星会（けいせいかい：前衛書道の一派）でした。
嫌悪ではなく、人一倍こだわりがあるのです。
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